Faris  2003/05/06
這些年來我到過許多國家，參加了數不清的演唱會，也上過很多表演課程及工作室，從這些累積的經驗以及觀察中，不論是出自個人在音樂會後產生的想法或課堂上的筆記，終於找了時間稍微歸納整理出一些重點，或許有助於有心從事阿卡貝拉歌唱表演的團體參考。

阿卡貝拉歌唱表演不僅只是歌唱而已，在舞台上沒把歌唱對其實也沒甚麼大了不起的事  (走音除外)，沒唱對的部分百分之一的觀眾完全知道，百分之九的觀眾有些知道，百分之九十的觀眾根本不會知道，即使如此，百分之百的觀眾根本不在乎，他們重視的是整體音樂會的質感；如何去跟現場觀眾打招呼？你要怎麼穿才適當？歌唱時如何設計動作及自然移位？整場音樂會的步調如何精心規劃？這一切的一切才是重點所在，個人認為可歸納成七大部分：

1. 整體呈現的感覺：如何才能很成功的讓觀眾喜歡你？答案是：
A. 面部表情要做到；寧願要求比平常的表情更加誇張一些
B. 要知道你在唱甚麼；對歌曲的語言、文化、意境是否100%瞭解、體會與掌握，雖然音樂是國際語言，要是你不懂或咬字稍差，怎能對作曲者交代！個人建議要以自己所熟悉的文化出發 (包括流行音樂) ~~ 不論是中國地方、台灣本土、客家甚至原住民為主要演出內容為方向，行有餘力再挑一些非我族類的曲子來唱或許是條康莊大道
C.   適當的服裝搭配；是否與貴團性質有搭配？搖滾、鄉村可穿T Shirt背心和牛仔褲。爵士、藍調、R&B、就要有型有體。成員之間有搭配？是否不一定要做成制式。與佈景有搭配？背景是黑色，假如服裝也黑色的話，台下觀眾所看到的將是幾個歌手的頭飄浮在空中的景象
D. 隨時注意你的姿勢(態)
E. 要表現熱情及對音樂的融入，連你自己都無法感動，別奢望去感動觀眾
F. 不論歌者的年齡是多大，在舞台上要有精神、用不完的精力及活力 (至少看起來是如此)，尤其是二十多歲的年紀千萬不要讓人有老成的感覺
G. 打扮、補粧不可少，觀眾不要求你有多帥多美，但起碼在燈光打下去之後從開始到結束要能做到五官明顯、紅白清楚
H. 手勢自然，動作要合理 (動作是跟著音樂旋律及歌詞意義自然帶出來的)記住！音樂本身是主，其他的一切是從。
I. 對觀眾的存在及反應要保持感覺敏銳 ~~ 甚麼模式可以達到甚麼效果？一個優秀而有經驗的團體從一開始就能知道且掌握觀眾的心理，一些百試不爽的互動或言詞，即使千篇一律也要永遠保持如第一次表演的心情，記住：台下的觀眾分為兩種：一為首次來聽你們演唱的，他們沒看過沒聽過你們的表演，因此你即使唱再多次也不能表現出倦怠感，一為來過兩次以上的觀眾，他們看你們表演不論如何重複也都會如癡如醉，一聽再聽的，因為他們是你們的「歌迷」
J. 多想想，多觀察一些流行、主流音樂會的歌唱及舞台表現及設計
 

2. 音樂會的步調；音樂會開始、進行、結束，如何掌握？
A. 要不要有主持人？還是自己主持？如何入場及開場？開場要說甚麼話？
B. 第一首歌是否要以強烈氣勢登場  (通常取悅觀眾的開場曲都會選氣勢較強的曲子，氣勢強的曲子不代表高難度的曲子)，通常第一首曲子只是用來調整音響、及試著觀察聽眾的反應，歌曲難度不必高，有時是創團曲。
C. 這裡要告訴大家一個重要觀察：觀眾對待第一首曲子的心情是「聽過就是」，只是用來調整開始的情緒，重要的是第二首至第五首曲子(大慨)，這時候觀眾就真的會很仔細的來聆賞你們的表演，而觀眾對你們印象的建立，此時重要性就佔了 50% 以上
D. 較佳的演唱曲目編排以節奏順序而言，通常如下安排：快速 →  中速 → 慢速(舒情) → 快速，如此循環進行，而這時候即使兩首舒情曲連著唱也會讓觀眾有不同的感覺的
E. 永遠一定要將最拿手、最精彩、最佳表現的曲子放在最後，當作壓軸曲，壓軸曲最好不要是慢速的舒情曲
 
3. 與觀眾的結合：這無疑是至高無上的終極目標，唱歌人人都會不是少數人所專享，可是阿卡貝拉表演可以讓台下的觀眾藉著台上歌者的表演而獲得極大的心理補償作用。
A. 歌者必須捕捉台下觀眾的眼光，你的眼神必須在群眾間游走。
B. 必要時歌者之間即使是負責非主調的背景音樂，眼神也必須要經常互相對上，這種歌者間的默契對觀眾而言非常非常重要。
C. 別以為你不是主角，表情不那麼重要，錯！即使台上有一堆人，你的嘴角眉梢台下可看得一清二楚。
D. 帶動唱和要不具威脅性(即困難度不能太高)，可以用耳熟能詳或易懂易學的曲調，並且要帶領節奏。

4. 創意技巧~~ 跟上述第3項有很大的關聯，任何可以牽引觀眾會心微笑、暴笑、回答、拍手、唱和…都來自用心設計。而且，只要你具備任何一招半式，每場都可以拿出來用，團員中可能有些人蠻有創意的，這樣可以省很多事，也可能團員們創意平平，想破頭也想不出點子，那也沒關係，要虛心向外求助，創意並不全然意味著要讓觀眾大笑 (只有專走幽默路線的團體才需要很多的搞笑創意，大部分的團體要搞笑的只要一些)，有些極細微有創意的動作或走位設計卻牽動著整個段落的可看(聽)性。
 
5. 介紹及演出：
A. 儘量讓每一個歌手有發揮的機會；團員甲有漂亮的Vocal小喇叭、團員乙有極優秀的假聲、團員丙有Vocal爵士鼓的天份、團員丁有極佳的口才、團員戊有極低沉的Bass… 讓聚光燈能各別照出每個人的獨特部分，，即使是短短  4個小節，該誰表現，其他人就該幫忙讓他秀出自己。多珍惜表現機會，一次表演勝過三次練習。
B. 別太過度謙虛客套，說甚麼唱得不好，請大家指教原諒之類的空話，觀眾不想聽也會覺得有些虛偽。
C. 每首歌曲結束，要站直站穩，接受台下的掌聲；可別急著準備下首曲子，也別交頭接耳，總之，要很誠懇面帶微笑面對觀眾給你的一切。
D. 唱錯、忘詞或任何表演上的閃失…絕對別向觀眾道歉，因為他們沒聽出來你們唱錯了還一直以為從頭到尾都很不錯。
E. 要用幽默方式或普通的口吻來介紹歌曲，取決於每個團體不同的性格，要有一些東西準備著以便讓團員有機會喘口氣，喝口水，聽清楚下首歌的音準，這些東西包括： 成員介紹 (最好稍早)、歌曲介紹、小笑話、下場演唱會消息、歌迷來函、郵寄名單、專輯CD…總之，一些有用的資訊隨時信手拈來，觀眾會聽得進去，有CD 或歌本要賣，記得早點說，讓觀眾在中場時就可以買到。
 
6. 離場注意事項：
演唱會曲目唱完了，在離開舞台前要向觀眾鞠躬感謝，再陸續走向後台。安可曲要準備，因為安可文化似乎已經固定成為一般音樂會的第三部分，永遠要想好並準備好安可曲。不過，每個地方都不同，如果觀眾沒有要安可，那也無所謂，只是別指望並認為觀眾一定會安可而將最壓軸的曲子放在安可曲中。觀眾會想安可是因為前面最精彩的部分劃下句點而有捨不得、不滿足的情緒所延伸而來，真的感覺到觀眾想要安可才安可，如感覺不那麼強烈，不要勉強。

7. 舞台動作設計：
A. 舞台上歌手們必須要有所謂的「核心排位」，每個歌手有其固定位置，但是每首歌的「核心排位」都有可能會變動，而且變動頻繁，舞台面積大，歌手不能死守著小區域，要試著擺脫恐懼走出去填滿舞台。練習時試著去改變你的位置~~「核心排位」要有 ~~ 但不能死守！從練習中找出自然變位的方式。
B. 每首曲子大致會有所謂音樂的聚焦部分，聚焦部分為：主調、領唱、特殊伴奏、即興、特殊動作、小插曲，這時所有非焦點歌手都要合作讓焦點真正可以突顯呈現，方式是
(1)  藉聚光燈協助　
(2)  讓出聚焦空間
(3)  讓焦點從歌手群中走出來
(4)  注視欣賞焦點也使觀眾同時認知
(5)  同一首曲子中，焦點變換可能多達十餘次，要有默契
 
上面說了很多，也許你無法體會，因為沒有太多上台的機會，國內能唱全場的團體也實在不多，台灣表演文化也有其特殊之處，這世界上也沒有兩個團是相同的，個人認為重點是：
(1)認知本身的有限，想辦法補自己之不足
(2)多聽、多看各種團體演出，天下文章一大抄，台上的演出橋段絕對不是獨創，肯定已經曾經有人做過，也是抄來的
(3)用心思考如何表現出自己的長處，細心設計每個環結
(4)抓住任何可以表演的機會
(5)在台上要誠懇面對自己，你就是你，別想裝酷，也別想裝別人
(6)即使同一曲子，動作，你已經做過無數次，在每次演出時絕對都要當做第一次表演
 
阿卡貝拉表演如太重視求著想把歌唱會，上台把歌唱正確，而不去思考那些歌曲以外，屬於表演的東西，最後往往是：歌一直沒唱對，味道也不見了，影響所及，團員感情也唱不見了！ 假如有去好好想如何準備歌曲以外的東西，結果往往會出人意料：一直唱錯、唱不好的部分全唱對了，因為那些非音樂的部分幫助讓表演成為「完整」，歌曲所表達的味道也全都出來了！